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    Mehr zu: MA Dance, Choreography

    Gäste

      • Gitta Barthel

        Gitta Barthel (Dr. phil.) ist in der Kunst-, Vermittlungs- und Forschungspraxis tätig. Sie lehrt Zeitgenössischen Tanz und Choreografie an Universitäten und Ausbildungszentren und war wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Bewegungswissenschaft/Performance Studies der Universität Hamburg, wo sie zum Thema «Choreografische Praxis. Vermittlung in Tanzkunst und Kultureller Bildung» promovierte (transcript 2017). Sie ist Mitautorin des «Choreografischen Baukastens» (hg. v. Gabriele Klein, transcript 2011).

        Porträt von Gitta Barthel
      • Christine Baumann Leuthold

        Als Tänzerin:

        Prix de Lausanne, Ballet Royal de Wallonie, Deutsche Oper Berlin

        In Choreografien von:

        George Balanchine, Maurice Béjart, Christopher Bruce, Kurt Jooss, Kenneth MacMillan, Hans van Manen, John Neumeier, Marius Petipa, Roland Petit usw.

        Als Therapeutin:

        –  Physiotherapie, Osteopathie, Spiraldynamik®
        –  Eigene Praxis seit 2012 (Praxis Physiotherapie & Tanz)

        Als Dozentin:

        –  Tanzmedizin (tamed, Tanzmedizin Deutschland)
        –  Anatomie für Tänzer und Tanzpädagogen
        –  Faszientechniken
        –  Applied Dance Anatomy/Nutrition (BA Contemporary Dance, ZHdK)
         

      • Eric Beauchesne

        Born in Québec, Eric grew up fishing and hunting before discovering dance at the age of 16. A graduate from École supérieure de danse du Québec, he has been on stage with Les Grands Ballets Canadiens, the Badisches Staatstheater Karlsruhe and Les Ballets Jazz de Montréal, as well as with Canadian contemporary dance icons such as La Fondation Jean-Pierre Perrault, Paul-André Fortier, Louise Lecavalier and Crystal Pite. Company member since 2004, Eric currently collaborates with Kidd Pivot as associate artistic director, and stages Pite’s work on companies worldwide including the National Ballet of Canada, Ballet Zürich, Hubbard Street Dance Chicago, Ballet British Columbia and, most recently, Göteborgs­­ Operans Dans­kompani. Eric has served as guest teacher and faculty for several organizations such as Arts Umbrella, TransFormation, Springboard, Seattle Festival of Dance Improvisation and Dutch National Ballet Academy, as well as rehearsal director for Nederlands Dans Theater. He currently resides in Holland and devotes much of his spare time advocating for climate action and sustainable practices in the dance world.

      • Jan Burkhardt

        Body Awareness
        Somatic practices can serve as a means to access information through sensation, that otherwise might remain hidden within the deeper layers of our bodies and our subconscious being. In this workshop we will explore principles and approaches to movement, touch, space and time that are inspired by Body Mind Centering (BMC), Laban Bartenieff Movement Studies, Feldenkrais and others. Our explorations can enrich our artistic practice, differentiate and widen our body consciousness and trigger new perspectives of reflection.

        Jan Burkhardt has been dancing, directing, teaching and coaching in the field of contemporary dance for many years. HIs most passionate curiosity is to approach artistic settings through the use of and the trust in the intelligence of the body. Jan works as an independent artist, as guest lecturer in numerous institutions worldwide, and holds a position as professor for dance in artistic context at the Center of Contemporary Dance (CDG/ZZT) Cologne.

        Porträt von Jan Burkhardt
      • Dimitri Chamblas

        Schon in jungen Jahren vom Tanz fasziniert, besuchte Dimitri Chamblas die berühmte Ballettschule der Pariser Oper ab dem Alter von zehn Jahren. Im Lauf seiner Karriere arbeitete er mit Modeschöpfern wie Jean-Paul Gaultier und Karl Lagerfeld, dem Komponisten Heiner Goebbels, den Künstlern Christian Boltanski, Andy Goldsworthy, Dan Colen und Xavier Veilhan sowie den Choreografinnen und Choreografen William Forsythe, Boris Charmatz, Lil Buck, Mathilde Monnier und Benjamin Millepied. Seine Produktionen wurden an verschiedensten Veranstaltungsorten aufgeführt, so an der Tate Modern in London, am Centre Pompidou in Paris, im Geffen Contemporary des MOCA (Los Angeles), an der Oper von Paris und in der St. Marks’ Church in New York.

        1992 war Chamblas zusammen mit dem Choreografen Boris Charmatz Mitbegründer der Association EDNA. Gemeinsam konzipierten sie Performances, organisierten Veranstaltungen und Ausstellungen und veröffentlichten Bücher. Ihr Duett «A bras le corps» wurde auf jedem Kontinent an weltbekannten Theatern und Festivals aufgeführt. Seit 2017 gehört es ausserdem zum Repertoire des Pariser Opernballetts.

        1996 erschuf er mit Mathilde Monnier (damals Leiterin des Centre Choréographique National im französischen Montpellier) die «Research and Writing Residence» – einen Ort für Künstlerinnen und Künstler, an dem sie ausserhalb des traditionellen Produktionsprozesses ihren eigenen kreativen Raum erarbeiten können.

        Als digitaler Kurator erfand Chamblas 2013 «Mutant Stage», zusammen mit der Kuratorin und Produzentin Amélie Couillaud. Dabei handelte es sich um eine Serie von zehn Kunstfilmen für die französische Lafayette Anticipations – Fondation d’entreprise Galeries Lafayette. Alle Filme wurden im vom OMA / Rem Koolhaas gestalteten Gebäude gedreht.

        2014 wurde Dimitri Chamblas zum künstlerischen Leiter der «3e scène» der Pariser Oper ernannt. Er gründete seine kreative digitale Plattform in Zusammenarbeit mit Benjamin Millepied und lud Künstlerinnen und Künstler wie Glen Keane, Xavier Veilhan, Bret Easton Ellis, Julien Prévieux, William Forsythe, Rubber Legz, United Visual Artists, Lil Buck, Barbara Hanigan und Jonas Kaufmann ein, von der Pariser Oper inspirierte Originalvorlagen zu produzieren. 

        Sein immerwährendes Interesse am technologischen Fortschritt und an dessen möglichen Anwendungen liess ihn 2015 mit dem Google Cultural Institute eine Kooperation eingehen und den ersten immersiven Tanzfilm drehen. Das 360-Grad-Video basierte auf einem von Benjamin Millepied choreografierten Original-Tanzstück.

        2017 lancierte er in Paris und Los Angeles das Studio Dimitri Chamblas, eine Struktur, die alle seine Projekte und Kooperationen umfasst, einschliesslich seines Duetts mit der «Etoile»-Tänzerin Marie-Agnès Gillot, seiner Teilnahme an Boris Charmatz’ «10 000 Gestures», einer Kreation mit Architekt François Perrin für die Performa Biennale New York und eines Duetts mit der Künstlerin und Musikerin Kim Gordon.

        Im gleichen Jahr wurde er Dekan des Bereichs Tanz am California Institute of the Arts (CalArts) in Los Angeles und erschuf «HHUMANN», ein Stück für 75 Tänzerinnen und Tänzern, das in den Strassen der Innenstadt von Los Angeles und in der Galerie Hauser & Wirth performt wurde.

        2018/2019 erschuf Dimitri Chamblas «Slow Show», eine Choreografie für 50 Tanzende, sowie «Los Angeles», eine Eigenkooperation mit der Malerin Claire Tabouret und dem Tänzer Spenser Theberge. Beide gelangten im Museum of Contemporary Art (MOCA), am REDCAT, am Mak Center und im Schindler House (alle in Los Angeles) zur Aufführung, ebenso wie in der Luma Foundation in Arles.

        Im Juni 2019 dirigierte Chamblas in der Walt Disney Concert Hall in Los Angeles im Rahmen des Programms des LA Philharmonic «Crowd Out», eine Oper von David Lang mit 1’000 Sängerinnen und Sängern.

        Ebenfalls 2019 wurde er vom französischen Kulturministerium zum «Chevalier de l’ordre des Arts et Lettres» ernannt.
         

        Dimitri Chamblas. Photo: Joshua Rose.
      • Andrew Champlin

        Andrew Champlin is an American dance artist based in Berlin, Germany. He has performed in repertoire by George Balanchine, Marius Petipa, Michel Fokine, José Limón, Paul Taylor, Laura Dean, Merce Cunningham, and Xavier le Roy, as well as originating roles in new works by David Gordon, Miguel Gutierrez, Pam Tanowitz, Ryan McNamara, Heather Kravas, Madeline Hollander and Jillian Peña, among others.  

        After an early apprenticeship with Oregon Ballet Theatre and pre-professional training at The School of American Ballet, Champlin found new perspectives on movement and performance in Manhattan’s experimental dance scene. Champlin has been nominated for a New York dance and performance Bessie Award for Outstanding Performer and has toured extensively across North America, Europe, and Asia. 

        While pursuing a Bachelor of Arts degree from The New School University, Champlin encountered the concept of liberal arts education and conducted a scientific research questioning how dance pedagogy comes into universities in a US context. Overseen by Danielle Goldman, this study advanced his critical perspective on how the university, the “free scene”, and the “ballet world” interact and planted the seed for his scholarship on embodied technique. 

        Champlin's interests in pairing artistic practice and academic research led him on the path of further interdisciplinary study. In 2019, Champlin earned a Masters of Arts degree in Choreography with a specialization in Performative Practices from DOCH School of Dance and Circus in Stockholm, where he studied under the direction of Chrysa Parkinson. 

        Champlin has created performance works and films about seeing embodiment as an image and a process simultaneously. His work asks viewers to consider how embodied knowledge structures physicalities and worldviews. 

        Since 2018, he has been a guest lecturer at Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin (UdK/HZT) where he has implemented seminars, technique classes, and workshops that invite students to process how their contemporary dance practices relate to specific histories of embodiment and geopolitics. 

        A growing interest in anti-racist and feminist scholarship has led Champlin toward a doctorate in Artistic Research. Champlin is currently taking part in the new PEERS program at ZHdK, where he is developing an artistic PhD research: a manual of critical dance pedagogy that calls upon his teacher-assistant relationship with ballet instructor Janet Panetta and other occasions of embodied knowledge transmission.  

        Porträt von Andrew Champlin
      • Anne Collod

        Initially graduated in biology and environmental science, Anne Collod is a French contemporary dancer and choreographer. She performs with different French choreographers then co-founds the Quatuor Albrecht Knust (1993–2001), a collective of dancers dedicated to the re-enactment of 20th-century choreographic works. 
        At the beginning of the 2000s, while participating in various dance projects and continuing to work with scores on reenactments, Anne Collod axes her work on “Utopias of the collective”. This leads her to meet the American choreographer, pioneer of post-modern dance Anna Halprin in San Francisco and to develop a long-term artistic collaboration with her until her disappearance. In 2008, she namely presents a first reinterpretation of Halprin’s master piece, “Parades & Changes” (1965): “Parades & changes, replays”, followed by an expanded version in 2011, wins a Bessie Award in New York 2009 and is performed worldwide since its premiere. 
        In 2014, after being the recipient of Villa Medicis Hors les Murs, Anne Collod creates “The Parliament of the invisibles”, a dance piece about the links between the departed and the living, haunted by a German “Danse Macabre” from the 30s. In 2019, exploring the esthetical and political issues of today’s reinterpretation of soli and group pieces of American choreographers Ruth Saint-Denis and Ted Shawn, she creates “Moving alternatives”.  
        Anne Collod is also interested in site specific creation and proposes in collaboration with the French graphic designer Mathias Poisson (faire) cabane, a project for a choir of amateurs and wooden elements that creates moving and ephemeral huts. In 2017, “Exposure”, an immersive choreographic, sound and light project allows her to explore energy transfers between a performer and an industrial environment. 
        Following “Moving alternatives”, Anne Collod is currently working on a web-series documentary, “Alternative bodies”, which documents and extends the fabrication of ‘Otherness’ in dance. 
        She is also regularly invited to teach in different schools and dance programmes, and is trained in the Feldenkraïs method.

        Portrait von Anne Collod
      • Sebastian Ellrich

        Sebastian Ellrich, born in 1984, started his artistic career as assistant costume designer at miscellaneous theatres and operas, for which he soon realized his own designs. Since 2004 he has been working nationwide as costume and stage designer for opera, film, dance and theatre; i.a. at Schauspiel Köln, Oper und Schauspiel Leipzig, Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf/Duisburg, Staatstheater Nürnberg, Staatstheater Mainz, Kampnagel Hamburg, Sophiensäle Berlin, Prinzregententheater München, Schauspiel Frankfurt, Cuviellés-Theater München, Markgräfliches Opernhaus Bayreuth, Nationaltheater Pristina, Oper Oviedo , Budapest Spring Festival, Theater Bielefeld, Theater Chemnitz, Theater Freiburg.

        Since 2011 he also devotes himself to his own prêt-à-porter label and showed his collections regularly at the berlin fashion week

        Foto: Porträt von Sebastian Ellrich
      • Kerstin Evert

        Kerstin Evert studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Giessen, war von 1997 bis 2000 Doktorandin im Graduiertenkolleg «Körper-Inszenierungen» an der Freien Universität Berlin und promovierte zum Thema «DanceLab – Zeitgenössischer Tanz und Neue Technologien» (Promotion ausgezeichnet mit dem Tanzwissenschaftspreis NRW 2001). Von 2002 bis 2006 war sie Dramaturgin auf Kampnagel und gründete dort im August 2006 das choreografische Zentrum K3 | Tanzplan Hamburg, das sie seither leitet. Als Dozentin unterrichtete sie unter anderem in Berlin, Bern, Giessen, Hamburg, Frankfurt am Main und Salzburg. Sie ist Mitglied verschiedener Jurys und Beratungsgremien und seit 2017 im Vorstand des European Dancehouse Network.

        Kerstin Evert. Foto: Thies Rätzke
      • Jule Flierl

        Jule Flierl is a dance and voice artist from Berlin. She develops practices that conceive of the voice as a dancer, translating dance into the auditory realm. Flierl collaborates with choreographer Antonia Baehr Die Hörposaune live / film (2022) and ToneDance artist Irena Z. Tomažin U.F.O. - Hommage to Katalin Ladik (2021). Jule graduated from SEAD Salzburg and holds an MA in choreography at EXERCE Montpellier.

      • Emanuel Gat

        Artistic Director und Choreograf

        Emanuel Gat kam 1969 in Israel zur Welt. Im Alter von 23 Jahren kam er an einem vom israelischen Choreografen Nir Ben Gal geleiteten Workshop zum ersten Mal mit Tanz in Berührung. Zwei Monate später wurde er Mitglied der Liat Dror Nir Ben Gal Company, mit der er an internationalen Gastspielen teilnahm. 1994 begann Emanuel Gat als unabhängiger Choreograf zu arbeiten.
        Während zehn Jahren nahm er an zahlreichen Projekten als Choreograf teil, bevor er 2004 seine eigene Kompanie gründete. Mit der Truppe Emanuel Gat Dance kreierte er verschiedene Stücke, mit denen er internationale Erfolge feierte. Die 2004 am Festival d’Uzès entstandenen Choreografien «Winterreise» und «Le sacre du printemps» wurden weltweit über 350 Mal aufgeführt. Das 2006 erarbeitete Stück «K626» feierte am Festival de Marseille Premiere. 2007 folgte die Produktion «3for2007».
        Im selben Jahr beschloss Emanuel Gat, sich in Frankreich niederzulassen und mit seiner Kompanie im Maison Intercommunale de la Danse in Istres, Frankreich, zu arbeiten. «Silent Ballet» war das erste in Frankreich produzierte Stück. Es wurde 2008 am Festival Montpellier Danse aufgeführt, vor der Tanzproduktion «Winter Variations» im Jahr 2009. 2011 produzierte Emanuel Gat das Stück «Brilliant Corners» für zehn Tänzer, für das er auch die Musik kreierte.
        Am 33. Festival Montpellier Danse war er 2013 als Associated Artist beteiligt. Mit seiner Kompanie entwickelte er das Projekt «Up Close Up» und stellte zwei Kreationen vor: «The Goldlandbergs» und «Corner Etudes»; die fotografische Installation «It’s people, how abstract can it get?» und den choreografischen Event «Danses de Cour». Im Jahr darauf kreierte er «Plage Romantique» für die Agora, ein Stück für neun Tänzer.
        Nach drei Jahren in Folge am Festival Montpellier Danse schuf Emanuel Gat «SUNNY», eine Choreografie für zehn Tänzer und den Musiker Awir Léon live auf der Bühne. 2017 präsentierte Emanuel Gat sein zweites Projekt im Zusammenhang mit seiner Tätigkeit am Festival Montpellier Danse. Es umfasste zwei Produktionen: eine einzigartige Zusammenarbeit mit dem Ballet de l’Opera de Lyon, «TENWORKS» (für Jean-Paul), ein Programm bestehend aus zehn kurzen Stücken, an dem Tänzer beider Kompanien beteiligt waren; und «DUOS», eine Serie aus Duetten, die an verschiedenen öffentlichen Standorten in Montpellier aufgeführt wurden. 2016 arbeitete der Choreograf ausserdem mit der Scène Nationale d’Albi zusammen.
        2017 war er zum ersten Mal am Festival d’Avignon mit «Story Water», einem Projekt der Truppe Emanuel Gat Dance und dem Ensemble Modern für elf Tänzer und 13 Musikerinnen und Musiker im Ehrenhof des Papstpalastes. Seit der Saison 2018/2019 ist Emanuel Gat für drei Jahre als Associated Artist am Théâtre National de Chaillot tätig.
        Er wird regelmässig von renommierten französischen und internationalen Kompanien eingeladen, für die er Stücke kreiert oder überträgt, so vom Ballet de l’Opéra de Paris, dem Ballet du Rhin, dem Ballet National de Marseille, dem Ballet de Lorraine, der Opéra de Lyon, der Sydney Dance Company, dem Tanztheater Bremen und der Candoco Dance Company, dem Ballet du Grand Théâtre de Genève, dem Los Angeles Dance Project, dem Ballet Royal de Suède, dem Cedar Lake (New York) und dem Ballet British Columbia.
        Emanuel Gat wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so 1995 mit einem Stipendium der Fondation du Ballet Master Albert Gaubiers, 2003 mit dem Rosenblum-Preis und 2004 mit dem Landau-Preis. 2006 wurde er als Mitglied von IcExcellence, der Israeli Culture Excellence Foundation aufgenommen. Ausserdem erhielt er den Bessie Award für die Aufführung der Choreografien «Winterreise» und «Sacre du Printemps» 2006 am Lincoln Center Festival in New York. Im Jahr 2012 wurde er erneut für den Bessie Award nominiert mit «Préludes et Fugues» für das Ballet du Grand Théâtre de Genève am Joyce Theater in New York. Darüber hinaus entwickelt und überträgt Emanuel Gat Stücke im Rahmen pädagogischer Schulungen.

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        Emanuel Gat. Foto: Julia Gat
      • Michael Getman

        Michael (Misha) Getman was born in Israel to parents Dora and Zechariah, who immigrated to Is-rael from Soviet Leningrad after a failed-plane hijacking by young Jewish dissidents to escape the USSR in 1970 – “Operation Wedding.”  
        His professional education was at the Bat Dor School of dance, directed by Jennette Ordman. As an interpreter, he gained experience at the Batsheva junior ensemble directed by Naomi Perlov. He later joined the Batsheva dance company, where he worked for three years with the choreographer and artistic director Ohad Naharin. In 1999 he joined the Ballet Freiburg Pretty Ugly, where he worked till 2004 with the choreographer Amanda Miller. He also worked at the Staatstheater Saarbrucken, directed by the choreographer Marguerite Donlon. As a performer, he had the privilege of learning and interpreting works by master choreographers, including Ohad Naharin, Amanda K Miller, Marguerite Donlon, and William Forsythe. Since 2007 Getman has been developing his work and choreographic structure. He examines and is curious about the relationship between our bodily actions, cognitive responses, and the ability to respond to the ongoing demands of experience with a range of physical arousal and emotions. His works have been presented in various festivals and venues, including Israel Museum (Jerusalem), Suzanne Dellal Center (Tel Aviv), Open Look (St.Petersburg), Holland Dance (Den Haag), Nowy Teater (Warsaw), Théâtre National de Chaillot (Paris), Schauspielhaus (Hamburg). Michael also works in Theatre and Ethnography, researching and facilitating artistic expression with various communities and cultures.  
        He teaches choreography, composition, and improvisation workshops for professional and non-professional. 
        Since 2020 Getman has been working towards an M.A. at the University of Huddersfield, England.

        Porträt von Michael Getman
      • Rafaële Giovanola

        Rafaële Giovanola is a Swiss choreographer and director, born in Baltimore, USA.

        She studied at Marika Besobrasova in Monte Carlo. Following her first engagement as a soloist in Turin. After one season in Turin, Rafaële Giovanola was engaged by Egon Madsen for the Frankfurt Ballet. There, she danced the classical repertoire and co-operated with several modern choreographers like Jiri Kylian, Uwe Scholz and William Forsythe, the Frankfurt Ballet choreographer. Under his direction she stayed with the Frankfurt Ballet for eight years, being involved in all important productions. During her engagement in Frankfurt she met the guest-choreographers Daniel Larrieu, Stephen Petronio and Christoph Nel. Since 1990, when the Choreographic Theatre was founded, Rafaële Giovanola is a member of Pavel Mikulátik’s company. In 1995 Rafaële Giovanola was mentioned in the annual poll of critics of ballett international/tanz aktuell in the category exceptional dancing personalities.

        In March 2000 she grounded, together with Rainald Endraß the performative collective CocoonDance. An important mainstay is the Swiss canton of Valais, where the company has been co-produced since 2005 and has produced eight premieres to date. Since 2020 CocoonDanceArtiste associé is at the Théâtre du Crochetan in Monthey. Since 2000, the company has produced about forty full-length productions which have toured five continents and been invited to showcase festivals in Germany and Switzerland.

      • Raphael Moussa Hillebrand

        Geboren in Hongkong als Sohn deutscher und westafrikanischer Eltern, aufgewachsen in Berlin und erzogen durch Hip Hop, nutzt Raphael Moussa Hillebrand seinen vielseitigen kulturellen Hintergrund, um seine Vision von Hip Hop Tanztheater zu verwirklichen. Seit 2005 arbeitet er regelmäßig mit dem Goethe Institut zusammen. Durch seine umfangreiche internationale Arbeit hat er ein Verständnis und Gespür für soziale Gerechtigkeit und eine Sensibilität für die Komplexität kultureller Identität entwickelt. Er leitet regelmäßig internationale Kultur- und Kooperationsprogramme und kreiert Tanztheaterproduktionen mit den lokalen Tänzern.

        Portrait von Raphael Moussa Hillebrand
      • Arianne Hoffmann

        Arianne Hoffmann connects the body’s capacity for movement with questions of agency and resilience. She teaches and performs dance improvisation, at times drawing from Simone Forti’s Logomotion method. Her works for the stage have been shown at Movement Research at the Judson Church (New York City), REDCAT & Highways Performance Space (Los Angeles), Sophiensaele (Berlin), among others. She initiated a dance podcast in 2007, curated festivals and co-founded ShowBoxLA, an organization for experimental dance in Los Angeles. Now based in rural Germany, she engages in kulturelle Bildung in order to create awareness for dance as a means for civic engagement. She holds a Master of Fine Arts in Dance from the University of California, Los Angeles where she studied closely with Simone Forti and Susan Foster.

        Bild: Porträt von Arianne Hoffmann
      • Jason Jacobs

        Jason Jacobs lebt in Frankfurt a. M. und ist Tänzer, Choreograf und Dozent. Er entwickelt Tanznummern und ist weltweit mit renommierten Choreografen und Kompanien aufgetreten, so auch mit Hofesh Shechter, Johannes Wieland, dem Complexions Contemporary Ballet und dem North Carolina Dance Theater. 2014 schloss er an der HfMDK Frankfurt den Studiengang Contemporary Dance Education mit dem Master ab. Derzeit entwickelt er zusammen mit der Choreografin Ekaterine Giorgadze Projekte unter der Bezeichnung «MuddyBoots». Er lehrt an verschiedenen Tanzinstitutionen in ganz Europa, ist Fakultätsmitglied an der Anton Bruckner Privatuniversität in Linz, Österreich, und arbeitet als Probenleiter für TanzMainz.
        www.muddyboots-dance.com

        Jason Jacobs. Foto: Ralf Grömminger
      • Joanna Leśnierowska

        Joana Lešnierowska has created the first Polish dance space/choreographic development centre at Art Stations Foundation in Poznań where she introduced avantgarde choreography to local audience and intensively supported the development of Polish dance artists. In years 2019–2023 Joanna run also a performance programme of choreographic refelction and research – ACZIUN – as part of Muzeum Susch, Switzerland. Parallel to her work as curator and writer, Joanna has been developing an independent practice as visual dramaturge, choreographer and light & space composer.
        https://lesnierowska.com/

      • Nanine Linning

        Dutch choreographer Nanine Linning (1977, Amsterdam) consciously leaves the beaten theatrical track. Moving beyond divisions and working across disciplines, combining dance, opera, concerts and installations. Crossing fields of design, video, visual arts and music, her productions are characterized by an explosive movement language and an equally vivid imagery. Linning designs opulent poetic work; her evening-length productions are worlds on their own in their visual and dramaturgical content. Her out of the box concepts make reference to human emotions as well as aspects of cultural history and social criticism. Her close cooperation with diverse internationally known artists and scientists is reflected in the broad spectrum of her projects, which include European co-productions and touring, exhibitions and installations.
        Linning received the Philip Morris Prize (2003), a Swan for Best Dance Production for «Bacon» (2006), and was nominated twice for the German ‘Faust’ Award (2012 and 2013) for «Voice Over» and «Zero» respectively. Her «Requiem» (2015) for Konzert Theater Bern, gained the Swiss Dance Award. Die Deutsche Bühne named her top 4 Impressive Choreographers of 2017. Magazine tanz mentioned her in the Category Choreographer of the Year 2017. Her dancefilm «La Voix Humain» won several prizes in Filmfestivals in Venice, Tokyo, London, Lisbon, Amsterdam and New York in 2021–2022.
        After graduating Linning founded her own ensemble, Dance Company Nanine Linning. From 2001–2006 she was appointed resident choreographer for Scapino Ballet. From 2009–2012 she was artistic director and chief choreographer at Theater Osnabrück, from 2012–2018, she headed the newly established dance company of Theater und Orchester Heidelberg where she created seven evening length dance productions and directed two operas, «Madama Butterfly» and «Akhnaton» from Philip Glass. In Heidelberg she became a founder of both Festival Tanzbiennale and the Choreographic Centre. In 2018 and 2019 she was appointed as curator of the dance programme of Festspiele Ludwigshafen. Linning is appointed as new Artistic Director of Scapino Ballet Rotterdam as of season 2024–2025.
        Linning created and produced with her own company evening lenghth productions such as «Bacon» about the painter Francis Bacon, «Cry Love» and «Endless Song of Silence», her acclaimed dance and video production in collaboration with Iris van Herpen. In 2019 she created «Double Helix», an installation based performance in collaboration with Dutch designer Bart Hess.
        As freelancer she was commissioned to create productions for the Stuttgart Ballet, Bavarian State Ballet Munich, Gauthier Dance Stuttgart, Theater Bielefeld (DE), Netherlands Chamber Choir (NL), Konzert Theater Bern (CH), Boston Ballet (USA), Szeged Dance Company (HU) and MusicAeterna in St. Petersburg (RU).
        → Instagram: naninelinningdance
        → Nanine Linning’s website

        Foto: Porträt von Nanine Linning
      • Guido Markowitz

        Der gebürtige Villacher Guido Markowitz studierte klassisches Ballett sowie zeitgenössischen und modernen Tanz an der Akademie Iwanson und arbeitete anschliessend an den städtischen Bühnen Münster, bevor er 1996 als Solist und Choreograf zum Tanztheater am Staatstheater Darmstadt wechselte. Seit 2004 arbeitet Guido Markowitz als freischaffender Choreograf und Regisseur. In seine Arbeiten bezieht er sämtliche Sparten mit ein, mischt Generationen und bringt Tänzer gemeinsam mit Turnern und Break Dancern auf die Bühne. Der Pforzheimer Ballettdirektor wurde für seine Arbeiten zweimal für den Deutschen Theaterpreis Faust nominiert. 2014 war der Choreograf unter anderem mit zwei Produktionen beim Tanztreffen der Berliner Festspiele eingeladen.

        Guido Markowitz ist seit der Spielzeit 2015/16 Ballettdirektor am Theater Pforzheim.
        Seit März 2017 ist er zudem im Vorstand der «TanzSzene Baden-Württemberg e.V.» ehrenamtlich tätig.

        Guido Markowitz. Foto: Sebastian Seibel
      • Tabea Martin

        Tabea Martin is a choreographer and performer based in Basel, Switzerland. She studied Modern Dance at the Hogeschool voor de Kunsten in Amsterdam (2002). She danced with Piet Rogie & Company in Holland, with Fabian Chyle in Stuttgart and Nick Bryson in Ireland. She has been guest student at SNDO in Amsterdam and finished studying choreography at Rotterdamse Dansacademie in 2006.
        Her productions “A coté de l’ombre” (2004), “Sculpterre” (2005), “Promenade dans l’eau” (2005) and “Impair” (2005) have been touring in Holland and Switzerland. 2006 her production “Über freundliche und ausgeglichene Menschen” was the opener for Tanztage Basel at Roxy theatre. In 2007 she was invited to a symposium with Forced Entertainment at PACT Zollverein Essen. Also she created choreographies for Junges Theater Basel “S chunnt scho guet”.
        2008 she was invited to Choreoroam Project, an initiative for young choreographers in Great Britain, Italy and Switzerland. 2009 she collaborated with filmmaker Lucy Cash at B-Motion Festival in Italy and with director Merel de Groot at Grand Theatre Groningen.
        In Holland her work has been supported by Dansateliers Rotterdam and Het LAB Utrecht. 2011 Tabea has won the Wim Barry Prize for all her choreographic work in Holland and was nominated by the Dutch Dance Days for promising young choreographers.
        “Duet for two dancers” (2010) was selected by Aerowaves in 2013 and was awarded by Reconnaissance, Échirolles 2013. “Field” (2014) has been selected by Aerowaves to Priority Group. Both production have been touring in Europe since.
        Tabea Martin regularly collaborates with municipal and state theatres. At Schauspielhaus Zürich, Gorki Theater Berlin, Theater Basel, Konzert Theater Bern Staatstheater Oldenburg Stadt Theater Konstanz and Theater Neumarkt she worked together with Sebastian Nübling, Anna Bergmann, Elina Finkel and Sibylle Berg.
        2015 she has won the special prize from Berner Tanzpreise.
        Her production “Pink for Girls & Blue for Boys” premiered at Tanzhaus Zürich in January 2016 and was touring in whole Europe. Her production “Beyond Indifference” premiered in December 2016 at Kaserne Basel. In May 2017 she realized the mediation project “Home – Tanzakademie Basel” in collaboration with Kaserne Basel and Tanzfest Basel. In September 2017 she did the choreography for “Nach uns das All” (text: Sibylle Berg) with Sebastian Nübling at Maxim Gorki Theatre Berlin. On 1 February ­2018 her Duet “This is my last dance” together with Italian dancer Simona Bertozzi premiered at Kaserne Basel. This was the first part of the trilogy that she made about transience. After she created “FOREVER“ and “Nothing Left”. Both had Premiere at Kaserne Basel. Nothing Left is co-produced by Dance Festival Steps – Migros culture percentage 2020.
        Pink for Girls and Blue for Boys, This is my last dance as well as Forever were programmed for the Swiss Dance Days.
        Her latest works are “Geh nicht in den Wald im Wald ist der Wald” 2022 and the solo for Tamara Gvozdenovic “Demain est annulé”. Both are touring in Europe.
        Tabea Martin received the Culture Award 2016 from Kanton Basel-Landschaft, Switzerland.
        From 2016–2018 she was “Young Associated Artist” of the mentoring-programme of Pro Helvetia-Swiss Arts Council. She was supported by PRAIRIE – the coproduction support of Migros Culture-Percentage from 2016–2019.
        From 2018–2020 / 2021–2023 and from 2024-2026 Tabea Martin is supported by Fachausschuss Tanz & Theater Basel-Stadt and Basel-Landschaft in cooperation with Pro Helvetia – Swiss Arts Council.
        Tabea Martin is a jury member of Tanzkommission of the city of Zurich, the SSA – Société Suisse des Auteurs and Atelier Mondial of the Christoph Merian Stiftung.
        She has been teaching at ZHdK, Manufacture, Marchepied, CFP Genève.

        Foto: Porträt von Tabea Martin
      • Dr. phil. Elna Matamoros

        Ballet Mistress at Ballet Nacional de España and freelance writer/researcher.

        Dr. Elna Matamoros holds a PhD with International Mention in Aesthetics and Art Theory (Universidad Autónoma de Madrid, 2017 – Research Internship at ZHdK), and an MA in Dance Education as a Fulbright Scholar (New York University, 2000). As a dancer she was mainly trained in Madrid by her mother Carmina Ocaña following the Bournonville School, and later in New York, at the Joffrey Ballet School and under the tutelage of Wilhelm Burmann and David Howard. 

        Between 2012 and 2019 she was a member of Compañía Nacional de Danza (CND) as a Ballet Mistress with José Carlos Martínez as Artistic Director. Besides having taught ballet in several international companies, Elna Matamoros has also rehearsed ballets by Balanchine, Bournonville, Fabre, Forsythe, Galili, Martínez, Léonide Massine, Perrot or Petipa, among many others. She has staged ballets such as Marius Petipa’s Odalisques Pas de trois and August Bournonville’s Flower Festival in Genzano, Guillaume Tell Pas de Deux and La Sylphide Divertissement; in 2016, Matamoros revived for Elena Vostrotina the version that Mikhail Fokine staged of The Dying Swan for Elna Ørnberg while he was in Denmark in 1925. She is currently working on the revival of another of the most emblematic pieces of Diaghilev’s Ballets Russes and preparing two new books.

        Dr. Matamoros is the author of the book Augusto Bournonville, Historia y estilo (Madrid, Akal, 2008, prefaced by Frank Andersen and Tamara Rojo), and editor, by commission of the Antonio Gades Foundation, of the book Carmen/Gades 25 Años (Madrid, Fundación Autor, 2008). Her most recently published book, as part of the sub-Texte series of ZHdK (volume 24) is Dance & Costumes, A History of Dressing Movement (Berlin, Alexander Verlag, 2021, prefaced by Jane Pitchard – V&A Museum); it provides a history of dance costumes linked to the evolution of movement itself.
        She is also a regular contributor to several performing arts publications and a dance specialist in El Cultural. Dr. Matamoros was also in charge of the full collection of Cuadernos Educativos de la Compañía Nacional de Danza. Since 2019 she has been writing the first books for a new series published by Ballet Nacional de España titled #BNE nos cuenta which will be expanded throughout the next years.

        She has been teaching ballet regularly at ZHdK since 2016. In the last years she created two theory courses especially for the MA students at ZHdK: ‘Dance coaching as a link between choreographer and dancer’ and ‘Dance and Costumes’. Dr. Matamoros has participated in numerous international symposia, focusing on Romantic Ballet, Diaghilev’s Ballets Russes, Spanish Dance, Aesthetics and Dance Costumes among other subjects. As a frequent lecturer, she has given courses of Anthropology and Dance History, Repertoire Analysis and Ballet Methodology – especially the Bournonville School – in several conservatories and research centers, both to students and teachers.

        Porträt von Dr. Elna Matomoros
      • Michael Maurissens

        Michael Maurissens wurde in Brüssel geboren, wo er mit seinem Tanztraining begann. Weiter studierte er Tanz an der Heinz-Bosl-Stiftung in München (1991–1992) und an der Schweizerischen Ballettberufsschule in Zürich (1992–1993, mit der Unterstützung der Pierino Ambrosoli Foundation) und war am Ballett Nürnberg / Tanzwerk Nürnberg, am Ballett Freiburg Pretty Ugly, am Nationaltheater Mannheim und bei pretty ugly tanz köln engagiert. Er hat unter anderem mit Amanda Miller, William Forsythe, Katy Duck, Hideto Heshiki, Martin Sonderkamp, Dominique Dumais und Georg Reischl gearbeitet. 2009 gründete er zusammen mit dem Kollegen Douglas Bateman das MichaelDouglas Kollektiv, welches sich um einen Kern von fünf Performern bildet, die sich konsistent für unterschiedliche Aktivitäten neu verbinden – mit bekannten und mit neu zu entdeckenden Tänzern, Choreografinnen, Musikern/Musikerinnen und einem breitgefächerten, kollaborativen System von institutionellen Partnern. 

        Seit einigen Jahren arbeitet Michael Maurissens mit Medien über die Mittel der Tanzkunst hinaus, auf dem Gebiet des Graphic Design, der Fotografie und des Films (als Filmemacher, Kameramann und Cutter). 2013 schloss er sein Postdoc-Studium an der Kunsthochschule für Medien Köln mit der Note «sehr gut» ab. Sein Studium konzentrierte sich auf Szenografie, angewandte bildende Kunst und Dokumentarfilm. Heute inszeniert und produziert er Filme, experimentelle Videoarbeiten sowie Performance-Dokumentationen und beteiligt sich an gemeinsamen visuellen Kunstprojekten.

        → Website CARRÉ BLANC Productions 

        Michael Maurissens
      • Thomas Meinecke

        Thomas Meinecke was born in Hamburg in 1955 and lives near Munich and in Marseille. He is a writer (numerous novels and stories since 1986 published by Suhrkamp, currently “Selbst”, 2016), musician (with his band F.S.K., founded in 1980, whose albums have been released on Daniel Richter’s Buback label since 2008; since 1998 many joint electronic projects with Move D.), radio DJ (own broadcast on Bayerischer Rundfunk 1985–2021) and also DJ in urban night clubs (Berghain, Robert Johnson, Pudel Club, Rote Sonne, Toni Molkerei etc.). At Berlin’s Theater Hebbel am Ufer, he ran the dialogic event series “Plattenspieler” from 2007 until the first Lockdown in 2020; since fall 2022, the series has continued at Berlin’s Volksbühne. In the winter semester 2011/12 he held the poetics lectureship at Goethe University, Frankfurt am Main (“Ich als Text”, edition suhrkamp, 2012). Residencies at universities in Europe and the USA. Most recently: Writer in Residence at the University of St. Andrews, Scotland, Poetics Lectureship Gender at the TU Braunschweig. Numerous awards, in 2020 the Berliner Literaturpreis (with guest professorship at the FU in the summer semester of 2022). In 2021 a “Text + Kritik” volume on Thomas Meinecke was published, in 2022 the poetological reader “Ozeanisch Schreiben” (in Verbrecher Verlag).

        Photo: Porträt von Thomas Meinecke
      • Amanda Miller

        Amanda K. Miller was the Founder, Artistic Director, and choreographer of Pretty Ugly Dance Company from 1992 until 2009. Based in Germany, Pretty Ugly toured internationally and won an array of awards and acclaim for unique artistic and social collaborations. Prior to starting her own company, Amanda was a founding member, principal dancer and resident choreographer of Ballett Frankfurt under the direction of William Forsythe from 1984 to 1992. Additional founding credits include Yummy Dance, an improvisational and multi-disciplinary dance company in Matsuyama, Japan. In 2009, Amanda returned home to the United States where she holds interdisciplinary improvisational workshops and shares her expertise as a freelance choreographer, opera director, dance educator, and performer with dance companies, universities, regional colleges, community institutions, and private dance studios. Her creative process, amanda science, cultivates works, experiences, and investigations that champion inclusiveness in any environment, whether leading expressive art projects to support disadvantaged children and young adults or facilitating collaborations with professional artists. Also developed as an instructional toolbox, amanda science offers a framework for learning that engages the body, mind, and soul. Amanda is an alumnus of the University of North Carolina School of the Artsdance program and received her M.F.A. in dance at Hollins University in 2017.

      • Martin Nachbar

        Martin Nachbar choreographs, dances, writes, curates, and teaches. He sees himself as a researcher. His various works were presented at the Sophiensaele in Berlin from 2007 to 2019, including small festivals, conferences, participatory performances, and dance pieces to watch. Some of them, such as «Urheben Aufheben» with the reconstruction of Afectos Humanos, have toured the world on behalf of the Sophiensaele. Martin also co-founded FELD Theater for Young Audiences, where he organized the Feldspiele Festival, also in Berlin. His writings have been published in professional journals and book publications. Since April 2020, he has been teaching as a professor of Scenic Body Work/Creative Senses in the Acting Department at the HfMDK in Frankfurt. His latest work, «Wenn ich’s nicht tanzen kann, fühl ich’s nicht», for audiences aged 7 and up, premiered on 7 October 2023, in Mannheim.

        Bild: Porträt von Martin Nachbar
      • Björn Pätz

        Björn Pätz absolvierte das Studium der Theaterwissenschaft und Neueren deutschen Literatur an der Freien Universität Berlin. Seit 2004 koordiniert er die Presse- und Öffentlichkeitsarbeit für zahlreiche freie Projekte und Festivals der darstellenden Künste. Ab 2006 folgen auch Produktionsleitungen für diverse Künstler:innen. 2010 Mitbegründer von björn & björn, einer Agentur für Presse, Produktion und Dramaturgie. Das Label björn & björn begleitete darstellende Künstler:innen und ihre Arbeiten aus Tanz, Schauspiel, Musiktheater und Performance-Art. Seit 2020 arbeitet er am Schauspielhaus Zürich im Touring Office im Bereich Touring Management und internationale Beziehungen.

        Porträt von Björn Pätz
      • Naomi Perlov

        Naomi Perlov wurde 1959 in Israel als Tochter einer Polin und eines Brasilianers geboren.
        Sie studierte Tanz an der Bat Dor Dance Company (Tel Aviv), an der Schola Cantorum (Paris) und bei Milton Myers (New York). 1984 schloss sie ihre Ausbildung am Benesh Institute of Choreology mit Auszeichnung ab (Tanznotation).
        Von 1994 bis 1998 war sie als künstlerische Co-Leiterin des Batsheva Ensemble in Tel Aviv tätig (Junior Dance Company), zusammen mit Ohad Naharin.
        Seit 1988 arbeitet sie mit dem Choreografen Angelin Preljocaj zusammen und unterstützt ihn in seinen Produktionen und den weltweiten Wiederaufführungen seiner Ballette.
        Von 1999 bis 2006 war sie künstlerische Leiterin des zweijährlich stattfindenden «Shades in Dance»-Wettbewerbs für junge israelische Künstlerinnen und Künstler am Suzanne Dellal Center.
        Im September 2009 begründete sie «The Maslool», ein zweijähriges professionelles Tanzprogramm am Bikurey Ha’ltim Arts Center in Tel Aviv–Jaffa. «The Maslool» steht unter der künstlerischen Leitung von Naomi Perlov und Offir Dagan und wird seit 2011 vom israelischen Kulturministerium gefördert.
        2015 lancierte Perlov gemeinsam mit Sharon Rubinov Biederman «Dconstruction», ein Kursprogramm für Tanzlehrerinnen und -lehrer mit methodologischen Tools zur Lektionen- und Jahresplanung, zur Umsetzung von Verbesserungen und zur gleichzeitigen Förderung und Stärkung der künstlerischen Aspekte während der Probenleitung.
        Parallel zur ihrer Tätigkeit als künstlerische Leiterin, Probenleiterin und Jurymitglied an Tanzwettbewerben unterrichtet Naomi Perlov Modern Dance und trainiert Tänzerinnen und Tänzer in zahlreichen Kursen und Workshops.

        Naomi Perlov. Photo: Sila Avvakum
      • Carina Premer

        Carina Premer lebt in Giessen und arbeitet als Lichtdesignerin, Lehrerin und Choreografin im Bereich zeitgenössischer Tanz und darstellende Kunst.
        Nach ihrer Ausbildung zur Lichttechnikerin und Beleuchterin studierte sie Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität in Giessen, wo sie verschiedene diskursive Formate entwickelte und moderierte und transdisziplinäre Performances und Ausstellungen kreierte. Im Laufe der Jahre sammelte sie umfangreiche Erfahrungen sowohl in der Arbeit in größeren Institutionen als auch in unabhängigen künstlerischen Prozessen. Carina verwendet häufig komplexe Lichtkompositionen und nicht-lineare Dramaturgien, um Raum und Zeit fast unmerklich zu schrumpfen, zu dehnen und zu verzerren. Ihr Schwerpunkt auf Choreografie und Tanz manifestiert sich in zahlreichen Kooperationen mit Choreografen wie Mårten Spångberg (SWE), Ana Dubljevic (SE) und Lucie Tuma (CH) sowie in ihrem aktuellen Studium des MA-Studiengangs Choreografie und Performance in Gießen. Ihre Herangehensweise an Performance und Tanz ist stark von der Herausforderung des Rahmens der öffentlichen Präsentation und der Verflechtung von Arbeits- und Zuschauerbedingungen geprägt. In ihrer Arbeit hinterfragt sie Herkunft, Identität und Autorschaft, indem sie die Aufmerksamkeit auf präfiguratives Denken und die Transformation von affektiven und somatischen Erinnerungen in kollektive oder alltägliche Handlungen lenkt.

      • Omar Rajeh

        Omar Rajeh founded his dance company Maqamat in Beirut in 2002. His work seeks an extraordinary physical presence with strong socio-political connections. Omar Rajeh has spent over 20 years weaving, exploring and refining his choreographic language. He performed with his company in more than a hundred different cities around the globe. Omar is the founder of Beirut International Platform of Dance – BIPOD, one of the most important dance festivals in the region. Since 2004, the festival offers a rich international programme of performances, workshops, lectures, and meetings. He is the co-founder of MASAHAT DANCE NETWORK which is a regional contemporary dance network across Lebanon, Syria, Palestine and Jordan. He is also the founder of the digital cultural platform Citerne.live.

      • Charlotta Ruth

        Charlotta Ruth arbeitet und spielt mit Zeit und Wahrnehmung in der Choreografie, künstlerischer Forschung und Game Design. Ihre Arbeiten wurden zum Beispiel im WUK, Tanzquartier, Brut in Wien und MDT & Dansens Hus in Stockholm und auf Konferenzen bei Uniarts Stockholm, in der SAR Society of Artistic Research und im Artistic Research Pavillon Venedig präsentiert. Ruth geht mit einem genreunabhängigen, aber orts- und kontextspezifischen Ansatz an Ideen heran, der zwischen Bühne, Galerie, öffentlichem Raum, institutionellen Zwischenräumen und online oszilliert. Zuletzt hat sie Game Design für City Games Vienna entwickelt und gemeinsam mit Dominik Grünbühel «Living Documents» erarbeitet, fünf choreografische Installationen als Teil eines Parcours in Stockholm, Kopenhagen und Wien (2020). Eine kontinuierliche Quelle der Inspiration und Resonanz des Denkens bildet ihre Arbeit als Performerin und die Kooperation mit anderen Künstschaffenden wie Ingrid Cogne, Alexander Gottfarb, Anne Juren, Saskia Hölbling, Toxic Dreams / Yosi Wanunu, Petter Jacobsson und Thomas Caley.

        Ruth wurde an der Royal Swedish Ballet School ausgebildet und hat einen MFA in Choreografie mit Spezialisierung auf Performancekunst von der Uniarts Stockholm. Sie studierte ausserdem computergestütztes Denken und grundlegende Programmierung, E-Poesie, digitales Filmemachen, Medienaktivismus und Schreiben von Live-Rollenspielen («Live Action Role Play»). Ruth ist seit 2017 PhD-Studentin in künstlerischer Forschung an der Universität für angewandte Kunst Wien, betreut von Prof. Dr. Margarete Jahrmann.

        Charlotta Ruth. Foto: Luke Baio
      • Tanja Saban

        Tanja Saban ist Tänzerin, zertifizierte Gaga-Lehrerin und Yoga-Praktizierende. Geboren und aufgewachsen in der Schweiz, absolvierte sie 2007 das SEAD Trainingsprogramm. Sie ist Förderstipendiatin des Tanzquartiers in Wien, wo sie ihre Karriere als freischaffende Tänzerin und Lehrerin begann. Sie arbeitet mit Choreographen und Künstlern anderer Disziplinen an Projekten zusammen und kreiert ihre eigenen Arbeiten in Österreich, Spanien, der Schweiz, Israel und New York City. Das Herzstück ihrer künstlerischen Praxis ist die fortlaufende Erforschung des sich bewegenden Körpers - ein Raum der Erfahrung, des Ausdrucks und der persönlichen Entfaltung in der Entfaltung der physischen Intelligenz und des sensorischen Körpers. Derzeit entwickelt sie eine Plattform für co-kreative, immersive Tanzerfahrungen, die zwischen Clubkultur, Performance und verkörperten Praktiken oszillieren.

        Porträt von Tanja Saban
      • Mor Shani

        Mor Shani started his professional career at Bat-Dor dance company Tel Aviv. Studied at Artez dance academy in Arnhem, at DasArts theater academy Amsterdam, The Netherlands, and nowadays finishing his studies of cultural policy at Sapir College, Sderot, Israel. Shani worked as artist in residence at Dansateliers Rotterdam, at ICK Amsterdam and in the last years was house choreographer at Inbal Dance Theater, Tel Aviv, Israel. His works are presented in Israel, Europe, Canada and the U.S, and were nominated for several awards as the Dutch Zwan award next to choreographers Jiri Kylian and Alain Platel. His Project Love-ism was chosen by the European Dance House Network as one of 25 best practices. Currently Shani is developing a format for a new academic dance company that will ask to redefine the way community art is developed in Israel. 

        Porträt von Mor Shani
      • Liane Simmel

        Liane Simmel, Dr. med., ist Ärztin, Osteopathin und war früher professionelle Tänzerin. Sie studierte Tanz an der Hochschule für Musik und Theater München und in New York bei Merce Cunningham. Während 25 Jahren arbeitete sie als Tänzerin und Choreografin. In dieser Zeit nahm sie auch ihr Medizinstudium auf. Heute lebt sie in München mit einer eigener Praxis für Tanzmedizin, wobei der Schwerpunkt auf Osteopathie, Spiraldynamik und Sportmedizin liegt. Als Leiterin des Instituts für Tanzmedizin Fit for Dance ist sie spezialisiert auf Prävention und Therapie von tanzbedingten Verletzungen. Liane Simmel ist ausserdem medizinische Beraterin an der Hochschule für Musik und Theater München und regelmässige Gastdozentin an der Palucca Hochschule für Tanz Dresden und der Zürcher Hochschule der Künste. Sie ist Gründungsmitglied und seit 15 Jahren Präsidentin von tamed, der Organisation für Tanzmedizin Deutschland. Ihr auf Deutsch, Englisch und Spanisch erschienenes Buch «Tanzmedizin in der Praxis» ist in ganz Europa, den USA und Australien zu einem Standardwerk für angewandte Tanzmedizin geworden. Ihr 2016 erschienenes Buch «Ernährung für Tänzer», das sie zusammen mit Eva-Maria Kraft verfasst hat, ist im Januar 2018 auch auf Englisch erschienen. Für ihre Pionierarbeit im Bereich der Tanzmedizin wurde sie mit dem Anerkennungspreis des Deutschen Tanzpreises 2016 ausgezeichnet.
        www.fitfordance.de

        Porträt von Liane Simmel
      • Ohad Talmor

        Ohad Talmor is a New York based Saxophonist and Composer.
        A leading voice in the New York modern Jazz scene, he has performed worldwide with a who’s who of musicians, including Lee Konitz, Josh Redman, Jason Moran, Michael Brecker.
        Classically trained as a pianist, he has a Composition degree from the Manhattan School of Music. His music mixes contemporary and jazz vocabulary and has been played by orchestras all over the world.
        He teaches at the Geneva Conservatory, the New School in New York and is a frequent guest as a lecturer at the ZHdK Master Jazz programme.
        → Ohad Talmor's website

        Foto: Porträt von Ohad Talmor
      • Anouk van Dijk

        Anouk van Dijk ist eine holländische Choreografin, künstlerische Leiterin, Tänzerin und hat die Bewegungsmethodik «Countertechnique» entwickelt. Von 2012 bis 2019 war sie künstlerische Leiterin der führenden zeitgenössischen Tanzkompanie Australiens, Chunky Move. Ihre Produktionen inszeniert sie für vielfältige Bühnentypen, sei es für Black Box Theater oder grosse Guckkastenbühnen. Sie entwickelt auch standortspezifische Produktionen.

        2012 wurde sie in Anerkennung ihres herausragenden künstlerischen und akademischen Beitrags zum Tanz in ihrem Heimatland mit dem «Goldenen Schwan» ausgezeichnet, der prestigeträchtigsten Tanzauszeichnung der Niederlande. Für ihre Bewegungsmethodik «Countertechnique» wurde sie weltberühmt.

        Seit Beginn ihrer Laufbahn interessiert sich van Dijk neben ihrer Arbeit als Tänzerin für Produktion. Bis zu ihrem Umzug nach Australien erlebte van Dijk eine intensive Karriere in Europa, indem sie mit ihrer holländischen Kompanie anoukvandijk dc weltweite Tourneen bestritt und am Festival d'Avignon, an der Dance Triennale Tokio und am Festival TransAmériques teilnahm. Van Dijk’s langjährige Zusammenarbeit mit dem deutschen Autor und Regisseur Falk Richter mündete in sechs von den Kritikern gefeierten Produktionen wie «TRUST» (2009) und «Complexity of Belonging» (2014). Ihr Interesse für standortspezifische Produktionen wie «Mensch» (2011), «Depth of Field» (2015) und «Accumulation» (2018) führte ihre Tänzerinnen von den Ship Yards Amsterdam bis zur National Gallery of Victoria in Melbourne.

        2012 feierte van Dijk die Premiere von «An Act of Now», ihrer Debütproduktion für Chunky Move. Später wurde diese Produktion am Festival Melbourne mit «The Age Critics’ Award» für die beste neue australische Produktion ausgezeichnet. Für die Kompanie kreierte sie seither zwölf abendfüllende und kürzere Werke, drei davon in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern: «Complexity of Belonging» (2014) mit dem deutschen Autor und Regisseur Falk Richter, «Anti-Gravity» (2017) mit dem visuellen Künstler Ho Tzu Nyen aus Singapur und die Filminstallation «Traces» (2019) mit dem amerikanisch-australischen Künstler Ian Strange. 2018 produzierte und kuratierte sie «Accumulation», eine immersive Produktion für den Galeriebereich der NGV Triennial Extra, gefolgt von ihrer letzten Arbeit für Chunky Move, «Common Ground» (2018).

        Im Zentrum der künstlerischen Arbeit und im Training ihrer Tänzerinnen und Tänzer steht das von ihr entwickelte Bewegungssystem Countertechnique. Dieses bietet den Tanzenden Tools für eine vielseitige Tanzpraxis im 21. Jahrhundert. Countertechnique unterstützt die Tänzerinnen und Tänzer beim Training, in Proben und Performance und fokussiert dabei auf den Prozess der Umwandlung von Information in Handlung. Die Prinzipien der Countertechnique können auch auf andere Tanzformen und Trainingsmethoden angewandt werden, wie beispielsweise Ballett, Hip-Hop, Paartanz, Yoga, Laufen und Pilates. 2008 initiierte van Dijk das erste, zweijährlich stattfindende Countertechnique Teachers Training-Programm (CTTT). Aktuell sind weltweit 31 zertifizierte Countertechnique-Lehrerinnen und -Lehrer tätig. Die Methode wurde in einem von Gerald Siegmund und Anouk van Dijk verfassten Artikel in «Dance Techniques 2010» prominent vorgestellt.

        Momentan arbeitet Anouk van Dijk als Freelance-Choreografin. 2019 hat sie mit «Distant Matter» ihren ersten Auftrag für das Staatsballett Berlin produziert. Zurzeit arbeitet van Dijk an einer neuen Produktion für die Münchner Kammerspiele, deren Premiere im Oktober 2020 stattfinden wird.
         

        Anouk van Dijk
      • Annette von Keudell

        Nach einer Ausbildung zur Fotografin studierte Annette von Keudell zunächst Grafik, Malerei und Experimentalfilm an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach, später Zeitbasierte Medien, Rauminstallation und Künstlerische Fotografie bei Prof. Valie Export an der Universität der Künste Berlin. Anschliessend wurde sie Meisterschülerin bei Filmemacher Prof. Heinz Emigholz (UdK Berlin).

        Seitdem arbeitet sie als freie Künstlerin im Bereich mediale Kunst, Konzeptionelle Kunst, und raumbasierte Medien. 2005–2009 studierte sie Kulturmanagement an der Universität Hamburg. Neben ihrer Arbeit als Dozentin für Kurzfilm (Filmtheorie, Storytelling, Kamera und Schnitt) und als Künstlerin war Annette von Keudell auch in den Bereichen Ausstellungsorganisation, Medienproduktionen und Öffentlichkeitsarbeit für Theater tätig, überwiegend für Tanzproduktionen. Seit der Ausbildung zum systemischen Coach, 2010–2015, begleitet sie zusätzlich künstlerische Prozesse mit dem Fokus auf Kommunikationstraining.
        Der Schwerpunkt ihrer künstlerischen Arbeit liegt in interdisziplinären konzeptuellen Projekten, Videoinstallationen, Fotografie und Experimentalfilm.

        Annette von Keudell. Foto: Börries Müller-Büsching
      • Elizabeth Waterhouse

        Elizabeth Waterhouse ist Tänzerin und Postdoc in Tanzwissenschaften an der Universität Bern. Sie ist die Autorin des Buches «Processing Choreography: Thinking With William Forsythe’s Duo», erschienen im Transcript Verlag (2022). Ihre Forschungsschwerpunkte sind choreografische Praktiken, ethnografische und oral-history-Methoden sowie digitale Techniken zur Erforschung und Dokumentation von Tanzpraktiken. Als Performerin tanzte sie von 2004–2012 im Ballett Frankfurt/The Forsythe Company. Seitdem entwickelt sie parallel und oft begleitend zu ihrer wissenschaftlichen Arbeit immer wieder Performances und künstlerische Forschungsprojekte, u.a. mit den Gruppen HOOD, tō und Movement Forum Bern. Für ihre tanzwissenschaftlichen Betrachtungen bedient sich Waterhouse ihrer methodischen Kompetenzen in Bezug auf «Forschung» und «kreative» Praktiken in den Künsten, Geistes- und Naturwissenschaften: ihre Ausbildung umfasst einen BA in Physik an der Harvard University, einen MFA in Tanzpraxis an der Ohio State University und einen PhD in Tanzwissenschaft an der Universität Bern/Hochschule der Künste Bern.

        Porträt von Elizabeth Waterhouse
      • Gunda Zeeb

        Gunda Zeeb studierte European Business in Deutschland, den USA und Frankreich sowie Cultural Management an der City University in London. Nach Anstellungen im Forum Freies Theater Düsseldorf und dem Hebbel am Ufer/ HAU Berlin arbeitete sie von 2006 bis 2012 als Dramaturgin und Interimsleiterin am Theaterhaus Gessnerallee Zürich. Seit 2013 ist sie die künstlerische Leiterin des biennalen Kulturfestivals Wildwuchs in Basel, seit 2018 Co-Leiterin von About Us! Zürich Interkulturell. Sie ist regelmäßig Gastdozentin an der Zürcher Hochschule der Künste, der Universität Zürich und der Theaterschule Dimitri in Verscio. Seit 2012 ist sie Mitglied der kantonalen Theater- und Tanzkommission sowie seit 2017 Jurymitglied im Hauptstadtkulturfonds Bern.

        Porträt von Gunda Zeeb